“La orquesta es uno de los instrumentos más grandiosos jamás creados”, comenta Dalia Stasevska a Apple Music Classical, “pero, ¿cómo se proyecta hacia el futuro y de qué forma se desarrollará?”. La directora finlandesa trata de responder a estas preguntas en este álbum fascinante y diverso que presenta piezas contemporáneas y del siglo XX, cada una de ellas muy original tanto en su concepción como en su realización. “Lo que quería lograr en Dalia’s Mixtape era evitar hablar de géneros”, agrega. “Sólo se trata de música magnífica, de grandes compositores que tienen algo interesante que decir y que llevan a la orquesta sinfónica hacia nuevas direcciones, como si fuera un instrumento. La música clásica tiene una historia increíble, pero también es muy importante descubrir nuevos sonidos, escuchar qué hay a nuestro alrededor y responder a ello”. Además de qué escuchamos, a Stasevska le interesa saber cómo lo hacemos. Por ejemplo, ¿aún disfrutamos de álbumes en la era del streaming? “Me inspiró una discusión que sostuve con alguien que aseguraba que no oía música clásica, pero en realidad sí lo hacía sin saberlo porque escuchaba playlists”. Los 10 temas de Dalia’s Mixtape fueron grabados por la Orquesta Sinfónica de la BBC, y cada uno se publicó a manera de EP en los meses previos a su lanzamiento. Para celebrar el álbum, Stasevska nos invita a un viaje personal a través de cada uno de sus tracks. Anna Meredith: Nautilus “Nautilus, de Anna Meredith, tiene mucha energía; es como un trance que hipnotiza por completo. La escuché cuando Anna se presentó con su banda en Helsinki hace unos cuatro años. De inmediato pensé que funcionaría fantásticamente con orquesta sinfónica”. “Para interpretarla se requiere de una actitud totalmente diferente. No puedes sólo tocar las notas, sino que debes sentirte parte de una banda de rock. Es una melodía muy industrial y poderosa”. Andrea Tarrodi: Wildwood “Wildwood está inspirada en la profundidad que alcanzan las raíces de los árboles al crecer bajo la tierra y en la proyección de sus ramas hacia el cielo, pero también habla sobre el bosque interno. Andrea Tarrodi la escribió tras el nacimiento de su hija y afirma que así se sentía. Puedo identificarme con la pieza porque mi pequeña tiene cinco meses, y así es como se vive la primera vez: verdaderamente enraizada a la Tierra”. “Wildwood es una de las mejores piezas de Tarrodi y tiene un arco realmente sustancial y glorioso”. Judith Weir: Still, Glowing “Esta pieza es la única incursión de Judith Weir en la música ambient y me parece fascinante. Está centrada en una textura de cuerdas luminosa y transparente que da la impresión de estar suspendida en el tiempo”. “Ocasionalmente, el xilófono y los instrumentos de viento se presentan como si fueran un pensamiento fugaz, una nube que pasa. Es un movimiento muy lento, una miniatura hermosa”. Caroline Shaw: The Observatory “Caroline Shaw es una de las voces contemporáneas más importantes de nuestro tiempo. Esta pieza es una obra cinematográfica, una aventura narrativa, un viaje caleidoscópico por el Observatorio del Parque Griffith en Hollywood”. “Hay algunas referencias conocidas en esta pieza, como Don Juan de Strauss, el Concierto No. 3 de Brandeburgo de Bach, la Segunda Sinfonía de Sibelius, la Sinfonía No. 1 de Brahms. Es todo un viaje. Me encanta que toda la melodía tiene una fuerte pulsación, como si se tratara de una ciudad palpitante”. Lauri Porra: Utu “Utu forma parte de la suite Cabins & Hideouts de Lauri Porra, su diario musical personal en el que grabó los días que pasó en la cabaña de verano de su familia en Finlandia. Utu es una palabra en finlandés que significa ‘niebla’ y se refiere a aquella capa fina que surge durante el atardecer, cuando el aire empieza a enfriarse hacia la noche y se mueve lentamente sobre la superficie del lago. Es un momento muy característico del verano”. “Lo que hace tan especial a esta pieza es la instrumentación que combina armonías naturales de cuerdas, instrumentos que prolongan los sonidos graves y el clarinete bajo. Nunca había escuchado a alguien componer utilizando armónicos de tal manera que no fueran simplemente un efecto. Es muy meditativa y evoca el silencio de las noches de verano en Finlandia”. Jóhann Jóhannsson: They Being Dead Yet Speaketh “They Being Dead Yet Speaketh fue compuesta originalmente para la película The Miners’ Hymns, un documental de 2010 que retrata una comunidad minera del noreste de Inglaterra. La música de Jóhannsson aporta acordes orquestales sombríos, efectos de ambiente y texturas inquietantes de metales que recuerdan a las bandas que fueron parte importante de la cultura minera”. “La música de Jóhannsson es profundamente conmovedora, pues parece que siempre tiene un elemento muy personal. ¿Proviene también del paisaje de Islandia, de su aislamiento y crudeza? Definitivamente, hay algo de ello en esta partitura”. Julius Eastman: Symphony No. II “The Faithful Friend: The Lover Friend's Love for the Beloved” “La Sinfonía No. 2 se descubrió apenas hace unos años y fue reconstruida por completo. Según entiendo la historia de esta pieza, es tanto una carta de amor como una de ruptura, y Julius Eastman no estaba en un buen momento cuando la compuso. Se encontraba en situación de calle, tenía muchos problemas al final de su vida, por lo que probablemente escribió esta pieza mientras se quedaba en el sofá de alguien con un piano”. “En mi opinión, su instrumentación inusual está diseñada para crear sonidos graves y resonantes, como un zumbido, a lo largo de toda la pieza. Tiene un timbre muy especial; es muy oscura y verdaderamente hermosa”. SØS Gunver Ryberg: COEXISTENCE “Ryberg es una compositora extraordinaria. Es una escultora del sonido y sabe moldear una orquesta como si fuera un sintetizador, concentrándose más en los efectos que en las armonías o las melodías. Lo que la hace interesante y única es la explosión de sonoridades orgánicas y electrónicas cuando las combina”. Noriko Koide: Swaddling Silk and Gossamer Rain “Su título es muy poético y me cautivó cuán imaginativa resulta esta pieza. Posee ciertas técnicas que nunca antes había visto o escuchado y que me parecen muy cautivadoras. Sus instrumentistas no sólo imitan el sonido del agua al caer, también utilizan un lápiz entre las cuerdas del violín para crear una especie de repiqueteo”. Julia Wolfe: Pretty “Tener a Wolfe en el álbum fue muy importante. De cierto modo, ella es el prototipo para quienes componen en la actualidad. Su música a menudo incorpora instrumentos eléctricos como la guitarra, pero en esta pieza energética y festiva, ella quería desafiarse a sí misma y crear sonidos a partir de instrumentos orquestales acústicos”. “Ella utiliza diversas técnicas instrumentales, incluyendo trémolos rápidos y deslizamientos sobre el diapasón, con el fin de imitar el sonido de guitarras eléctricas. En el ensayo, dijo que teníamos que tocar algunos de los pasajes como si fuéramos Jimi Hendrix, lo cual nos inspiró mucho”.