Tras su segundo álbum, Electric Light (2018), con influencias más pop y electrónicas, James Bay regresó a sus raíces de cantautor en Leap (2022). Así recordó el estilo que lo llevó al éxito con su aclamado debut Chaos and the Calm (2015), que le hizo merecedor de un premio BRIT y tres nominaciones al GRAMMY. Sin embargo, para Bay, su cuarto lanzamiento, Changes All The Time, es la representación más completa y genuina de quién es como músico. “Tocar la guitarra siempre ha sido una parte fundamental de mi identidad como artista”, comenta a Apple Music. “Intenté subirme al escenario sin ella, pero me sentía demasiado expuesto. He recorrido un largo camino hasta la creación de este disco para darme cuenta de que, más que nunca, quiero que las canciones sean lo más importante y que mi forma de tocar mi instrumento sea el centro de ellas. Quería que el arte y la musicalidad realmente destacaran y superaran lo que habían sido antes”. Changes All The Time nos lleva en un viaje que va del energético y rítmico soul de “Up All Night”, con la participación de Noah Kahan y The Lumineers, y la introspección inspirada en el góspel de “Hope” al dramático rock ‘n’ roll de “Easy Distraction”, coescrito por Brandon Flowers de The Killers, e incluso al resplandeciente espíritu de Muscle Shoals que arde en “Speed Limit”. Es un material lleno de la integridad y musicalidad de los clásicos que han influenciado la carrera de Bay. Sin embargo, gracias a la confianza que le brinda saber exactamente quién es, ha revelado más de sí mismo que nunca. “Espero seguir desenterrando y descubriendo nuevas capas de lo que soy como artista a medida que pase el tiempo, aunque ahora me preocupo menos por lo que pueda parecer”, comenta. “Prefiero pensar que este disco representa lo que soy en este momento”. Descubre más mientras Bay nos guía a través del álbum, canción por canción. Up All Night (feat. The Lumineers & Noah Kahan) “Mark Broughton, el ingeniero del álbum, tocó el piano en la mayoría de los temas. Habíamos terminado de grabar otro material y él estaba jugando con algunas notas. Tomé la guitarra, toqué lo mismo, agregué un par de acordes y la melodía comenzó a tomar forma. Pasamos las siguientes dos horas escribiéndola y la grabamos esa misma noche. Sonaba como una verdadera fiesta y quisimos compartirla con alguien. Conozco a The Lumineers y a Noah Kahan desde hace años, él solía ser telonero en mis conciertos, y tuvieron la amabilidad de unirse a nosotros después de grabarla. En este track no hay batería, pues toda la percusión proviene de pisadas y aplausos”. Everburn “Mi relación juega un papel importante en muchas de mis canciones. Hemos pasado por muchos desafíos a lo largo del tiempo y eso es un aspecto que siempre exploro y expreso a través de mis composiciones. Gran parte de mi música gira en torno a temas del corazón. No sé cómo se ve mi vida desde fuera, pero es tan real y llena de obstáculos como la de cualquiera. ‘Everburn’ habla de que las circunstancias pueden tornarse difíciles en ocasiones, pero de una forma u otra, el amor puede vencerlo todo y fortalecerte”. Hope “La música góspel siempre me ha conmovido. Aretha Franklin y Ray Charles vienen de ese mundo, y son dos personalidades que me inspiraron mucho mientras crecía. Siempre he admirado ese género musical, pero esta fue la primera vez que sentí que había una canción que se ajustaba perfectamente a mi estilo como artista y me permitía explorar mis raíces inspiradas en el góspel. Disfruté combinar eso con la narración de la historia. Tener esperanza es un concepto amplio, pero fácil de entender. Suelo ser bastante pesimista, por lo que escribí esta melodía para luchar contra la desesperanza, porque si no lo haces, te consume”. Easy Distraction “Bruce Springsteen ha sido una figura importante para mí desde que nací. Mi padre es un apasionado de su música y compartió ese gusto con mi hermano y conmigo. Escribí esta canción con Brandon Flowers, a quien también admiro. Él es un fan aún más grande de Springsteen, lo cual se nota en este tema de manera gloriosa. Explorar esas aguas musicales fue realmente emocionante y una experiencia increíble. El track está impregnado tanto de la esencia de The Killers como del espíritu de Springsteen de la época de Born to Run”. Speed Limit “La escribí en Nashville con la fantástica Natalie Hemby, cantautora y miembro de The Highwomen, quien creció con ese sonido sureño y compone mucho dentro de los géneros góspel y country. Este tipo de canciones le sale naturalmente y a mí también, porque muchas de mis influencias son estadounidenses: country, blues, góspel y folk. Durante el trayecto hacia nuestra sesión, manejaba a toda velocidad mientras pensaba en mi hija y mis familiares en casa. En ese momento surgió una línea: ‘I broke the speed limit to get to you’ (Excedí el límite de velocidad para llegar a ti). Cuando llegué a casa de Natalie, improvisé con mi guitarra y grabé la melodía en mi teléfono para ver cómo fluía. Estoy muy orgulloso de mi colaboración con ella, pues se siente natural”. Talk “Expresar en la vida real lo que transmito en mis canciones ha sido un desafío. Aprendí a ser un intérprete para evitar situaciones vulnerables. Me encanta presentarme en el escenario, no lo hago sólo para esconderme, pero compartir aspectos personales de mi vida en un ambiente íntimo no es tan sencillo para mí como componer. A pesar de toda la angustia y emoción que conlleva esta melodía, es muy divertida de interpretar. Es tan emotiva como ‘Yellow’ de Coldplay, un track que esa banda disfruta cada vez que la toca en vivo”. Hopeless Heart “Escribí este tema hace un par de años, entre el álbum anterior y este. Es un poco ingenuo, en el sentido más hermoso. Recuerdo haberme inspirado en Fleetwood Mac. Sólo quería cantar con todo el corazón. Fue brillante y divertido decir: ‘You tore out my hopeless heart, I never want it back’ (Arrancaste mi desesperado corazón, no lo quiero de vuelta jamás). A veces está bien desahogarse. Aunque atravesé momentos difíciles, en realidad, desde una perspectiva más amplia, todo resultó bien”. Some People “Fue el último track que grabamos. Pasamos los cables por el hueco de la escalera y pusimos algunos micrófonos. Nos inspiramos en la técnica de Led Zeppelin, banda conocida por situar la batería en ese lugar para lograr un sonido grandioso. Ese espacio nos permitió superponer armonías y crear una atmósfera etérea, al estilo de Fleet Foxes o Crosby, Stills & Nash, con grupos de armonías impresionantes. Lo retiramos todo, lo volvimos íntimo y vulnerable. A pesar del ajetreo y el ruido de la grabación, al final me invadió una sensación de plenitud. Es como tomar el último suspiro antes de cerrar el capítulo de este álbum. Aunque podría haber sido la última canción del disco, decidimos dejarla en el medio para crear un momento de calma en medio de la tormenta”. Go On “Esta canción tiene un significado muy especial. Perdí a un familiar de manera repentina justo cuando comenzaba la pandemia a causa de un cáncer devastador que causó su muerte con rapidez. Dejó un vacío, como en cualquier familia. Quería despedirme y decirle: ‘Go safe, go on, get out of here. You’ve been fucking awesome. Thank you. We love you. All the best’ (Vete con tranquilidad, sigue adelante, márchate. Has sido increíble. Gracias. Te amamos y te deseamos lo mejor). Fue muy emotivo escribirla y grabarla”. Crystal Clear “Este es mi intento de imitar lo que hace una pintura o fotografía al capturar un momento presente e inmortalizarlo en el tiempo, de manera que cada vez que vuelves a verlas revives ese instante. Durante esa época, estaba de gira y me había convertido en padre. Experimenté la dificultad de equilibrar las demandas de la vida familiar con una carrera que constantemente me alejaba de casa. Traté de reflejar esas emociones y realidad en el track. Es un vistazo a ese periodo de mi vida”. Dogfight “Escribí esta canción con Holly Humberstone y Phil Plested (quien ha trabajado con Lewis Capaldi, Mimi Webb, Bastille y Niall Horan). A pesar de ser relativamente nueva en la industria, Holly es brillante y tiene un enfoque musical atemporal. Compartimos la ansiedad de ser artistas, sin importar el tiempo que llevemos trabajando. Quería hablar sobre lo difícil que puede ser vivir con autenticidad y ella capturó el sentimiento con precisión al afirmar que se siente como una verdadera pelea de perros. A partir de ahí, todo fluyó. Experimentamos con varias producciones, inicialmente incorporamos sintetizadores, pero al encontrar la dirección adecuada, supe que sería el cierre del álbum. Me sumergí emocionalmente en la parte final de este tema y el desempeño de la banda en ese momento es simplemente increíble”.