“Creo que la diferencia entre un ‘álbum de productor’ y un ‘álbum de cantautor’ en el sentido artístico tradicional es que realmente intentas transmitir una sensación”, explica SG Lewis a Apple Music. En su electrizante tercer álbum de estudio, el DJ y productor invita al público a compartir una emoción que ha estado experimentando desde que escucha y hace música, aunque solo recientemente descubrió que existía una palabra para describirla, después de pasar un verano empapándose de la historia de Ibiza. “En gran parte de la música que hago, me gusta hacer referencias a diferentes épocas o eras musicales, y me preguntaba: ‘¿Por qué me siento atraído hacia estas épocas que no viví?’ No es nostalgia, porque no estuve vivo para vivirlas”, dice. “¿Existe un término para sentir nostalgia por algo que no has experimentado?” El término que Lewis buscaba se convertiría en el título del disco: Anemoia. Partiendo de la idea de Ibiza como “una tierra prometida de fiesta, donde no existía la vergüenza ni las cadenas de la sociedad”, desarrolló el concepto como una reimaginación onírica de la vida nocturna en la isla durante los 90. “Estaba combinando estos sonidos nostálgicos que resultan muy familiares a la gente, y que son clásicos en cierto sentido, con compositores, voces e historias que son actuales, pero también intentaba encontrar un hilo conductor en la producción que conectara esas cosas en lo que yo interpretaba como el sonido de la anemoia”, explica. Anemoia puede tener la mirada puesta en el pasado con añoranza, pero las fantasías idealizadas que evocan temas como el melancólicamente cautivador “Feelings Gone” o el himno rave burbujeante “Devotion” capturan igual de bien el momento cultural actual, algo que Lewis tenía muy presente mientras el disco iba tomando forma. “Si la música dance tiene algún propósito más profundo, es liberar”, dice. “A la larga, quiero que este álbum cree esa sensación de anemoia para la gente que quizás no estuvo presente o no tenía edad suficiente para vivir las discotecas de ahora, y el sonido del álbum y las cosas en las que me inspiro buscan esa evasión porque hay muchas razones para sentir inquietud y preocupación por el futuro. Intento crear un mundo sonoro en el que la gente pueda evadirse, o ser la banda sonora de su evasión y liberarlos de cualquier dificultad que estén atravesando. Esa es la misión”. Aquí, SG Lewis nos desgrana Anemoia, tema a tema. “Memory” “Sabía que la palabra ‘anemoia’ era desconocida. Yo no sabía lo que significaba hasta que la busqué en Internet. Además, la gente tampoco sabe cómo pronunciarla. Así que quería crear un tema que fuera como una introducción sonora al mundo del álbum, pero también poder incluir algo de audio que explicara a la gente el concepto de anemoia porque no se entendía por sí solo. El objetivo de ‘Memory’ es simplemente hacer sentir a la gente lo que transmite el álbum: la euforia, y esta especie de sensación agridulce, los acordes, el sonido, y también el concepto en sí”. “Feelings Gone” (con London Grammar) “Durante años tuve esta pista instrumental que había empezado en Los Ángeles con mi amigo J Moon. Era algo que pinchaba en mis sesiones de DJ, y tenía esta sensación que era como melancólica, pero también el crescendo y la batería tenían un toque ligeramente balear. Fue lo primero que hice y pensé: ‘Esto sí que es el sonido del álbum…’ Pero la única voz que me imaginaba para esto era la de Hannah (Hannah Reid, de London Grammar). Su voz y forma de componer tienen una profundidad que aporta un peso emocional tremendo. A veces, la música de baile, especialmente el dance pop, puede parecer de usar y tirar, pero sentí que Hannah y la banda conseguirían hacer un tema con profundidad. En lugar de recrear lo que pasaba en la Ibiza de los 90, ‘Feelings Gone’ es mi visión personal. Si estuviera mirando esas fotos, ¿qué me vendría a la cabeza?” “Sugar” (con Shygirl) “Shygirl y yo empezamos esta canción el mismo día que nos pusimos con ‘mr useless’, un tema que hicimos para su proyecto (el EP Club Shy de 2024). El caso es que teníamos esta otra maqueta y quedé con Shygirl y rematamos la estructura de la canción y todo eso, y luego TEED (Totally Enormous Extinct Dinosaurs) añadió la línea de sintetizador. Queríamos que ‘Sugar’ sonara como esos discos Hedkandi de los 2000 y el trance de los 90, súper pop y bailongo, pura serotonina y alegría, que todo fuera muy brillante y muy pegadizo”. “Transition” (con RAHH) “El verano en el que nació este álbum, pasé mucho tiempo en Ibiza y actué mucho en Pacha. Es la discoteca más antigua de la isla, tiene mucha historia. Pacha tiene su sonido propio de los 2000: batería súper comprimida, líneas de bajo funky, French Touch. Quería crear una canción que fuera un homenaje a eso. Ya conocía a RAHH de un par de discos así que nos juntamos, y es una compositora increíble. Sabe hacer estas voces que tienen el poder y el alma de un vocal house clásico, pero sin que suene a imitación. La mayor parte del álbum tira más hacia ese tipo de melancolía. Me encanta esa sensación, pero cuando escuché el disco completo, decidí que quería un tema que hiciera lo contrario. ‘Transition’ es un grito de guerra, el tipo de canción que pongo en los momentos más álgidos”. “Devotion” (con Totally Enormous Extinct Dinosaurs) “TEED es uno de mis mejores amigos, pero sigue siendo mi ídolo musical. Es alguien de quien recibo mucha ayuda y consejos, así que tenía que colaborar en el álbum. Esta pista la empezamos juntos. Probamos un montón de ideas y voces diferentes, y al final, le dije: ‘¿Por qué no cantas tú?’ Es muy eufórico, piano house clásico de los 90. Cuando pienso en el acid house y la movida rave del Reino Unido, pienso en esos temas de piano rave de los 90. No importa dónde estés o cuánto tiempo lleves pinchando, cuando llegas a ese momento del piano, el sonido de esos ritmos entrando es euforia pura”. “Past Life” “Es como un paréntesis en lo que por otra parte es un álbum muy de baile. En cualquier álbum o disco largo como este, creo que un cambio de tempo viene bien. Así que escribí este estribillo que creaba una especie de estado onírico. Todo está pensado desde la perspectiva de alguien soñando con otra época en el pasado y cómo podría haber sido. La idea era crear un momento de reflexión y un cambio sonoro frente al ritmo y la euforia del resto del álbum”. “Back of My Mind” “Mi voz suena mucho más directa y en primer plano de lo que he hecho antes: hay menos reverb, menos efectos, y creo que hay una historia y una emoción profunda ahí. Toda la música de discoteca que me gusta tiene ese elemento. Ya sea ‘Dancing on My Own’, de Robyn, o ‘Finally’, de Kings of Tomorrow, esas canciones están pensadas para la discoteca y un ambiente que es muy hedonista y muy del momento, pero tienen una profundidad y una historia, y creo que eso es lo que las hace durar y les da sentido. Al principio era menos dance, venía de escuchar Radiohead, la estrofa era muy divagante, como Thom Yorke, intentando ser guay, y después le metimos la euforia y la reforzamos. Ahora que la pincho en directo, veo a la gente conectando con la letra. Nunca había oído la expresión ‘back of my mind’ en una canción dance pero es algo que siente todo el mundo”. “Another Place” (con Frances) “Llevo años colaborando con Frances, fuimos juntos a la universidad. Ahora se dedica sobre todo a componer, e hicimos algunas canciones geniales para este disco, pero tiene tanto talento musical y una voz tan increíble, que le pregunté si quería participar. Realmente quería crear esa canción de final de noche, de las 4 de la mañana, como de bajón suave, con una base rítmica emotiva. El corte ‘Think’ (el corte de batería más sampleado de la historia, que incluye ‘¡Woo! ¡Yeah!’ de ‘Think (About It)’ de Lyn Collins) está sampleado aquí. Quería despertar esa sensación de anemoia para la gente que no conoce los nombres de diferentes cortes y piensa: ‘¿De dónde conozco esto?’ Como es tan icónico y tan asociado al rave y la música dance, el corte ‘Think’ consigue eso para mucha gente. Creo que es divertido jugar con esa emoción”. “Fallen Apart” “Escribí el original hace seis años, muy rápidamente, después de que alguien con quien trabajaba realmente hiriera mis sentimientos. Era como una nota que había escrito, simplemente como ‘No voy a olvidar esto’ y estuvo en mi disco duro durante años pero nunca le encontré un lugar. Se la puse a TEED, y pasamos un día trabajando en ella, mejorándola y convirtiéndola en lo que se convirtió. Es curioso porque suena como una canción de ruptura romántica, y creo que, al final, cambié algunas de las letras para permitir que resonara de esa manera, pero realmente venía de una pelea entre colegas”. “Baby Blue” (con Oliver Sim) “Conocí a Oliver en Los Ángeles cuando estaba trabajando en este disco e hicimos dos sesiones: una para mi álbum y otra para el suyo. No sacamos canciones que quisiéramos publicar, pero inmediatamente congeniamos. Tenía esta base musical en la que había trabajado con mi amigo Karma Kid, y simplemente pasamos un día intentando hacer estas bases tipo edits de disco de final de noche. Usé este sample, ‘Hard Luck’ de Wess Machine, que en la intro solo tenía este loop de dos compases. Lo volví a samplear y le añadí elementos, hice que funcionara en un entorno de discoteca actual. Se lo envié a Oliver, y él estaba fuera pero me dijo: ‘Dame cinco minutos…’ Cinco minutos después, me envía una nota de voz y había escrito el estribillo. Me dijo: ‘Acabo de meterme en el baño y escribir esto’. Me quedé alucinado. Así que luego vino a mi casa y lo grabamos. Escribió una estrofa y listo. Tiene una voz preciosa, muy cálida. Es una persona muy especial”.