Música de videojuegos: una guía

Desde beeps y boops de computadora hasta las epopeyas orquestales, la música de videojuegos ha evolucionado hasta convertirse en un género popular en sí mismo. Aquí está nuestra guía de composiciones icónicas, sorprendentes mezclas de géneros y compositores que siguen elevando los límites sónicos y técnicos en los videojuegos.

Imagina causar estragos en Grand Theft Auto, con la adrenalina al máximo y sintiendo desesperación por sobrevivir. Ahora imagina jugar éste o cualquier otro videojuego en completo silencio. El universo de los videojuegos desaparecería sin el superpoder emocional que aportan las bandas sonoras, la música que pasa de segundo a primer plano en un instante para acelerar el pulso de jugadores alrededor del mundo. Los videojuegos de arcade y las consolas domésticas, lanzados a principios de la década de 1970, incluían un audio más primitivo. Los generadores de sonido programables (PSG) llegaron a finales de la década y permitieron a Space Invaders (1978) poseer la primera pista de fondo continua, cuatro notas descendentes repetidas en bucle; soportaron bandas sonoras "chiptune" para otros éxitos de la edad de oro de los juegos de arcade, incluyendo Pac-Man (1980) y Donkey Kong (1981). La demanda de consolas de videojuegos por parte de los consumidores en la década de 1980 condujo a rápidos avances en la tecnología de sonido digital y a bandas sonoras más aptas para la intimidad del hogar que para los ruidosos salones de juegos. Los compositores hicieron maravillas con una capacidad de datos limitada para extraer timbres enriquecidos de una nueva generación de chips de sonido. Koji Kondo, un titán de la música de videojuegos, puso la vara alta en 1985 con su tema sincopado de Super Mario Bros. Su ejemplo fue seguido por la banda sonora de Dragon Quest (1986) de Koichi Sugiyama, con sus temas recurrentes de música clásica, las memorables composiciones de Nobuo Uematsu para Final Fantasy (1987) y los potentes bajos electrónicos de Sonic the Hedgehog 3 (1994), con composiciones no acreditadas de Michael Jackson. La composición de Yasunori Mitsuda para Chrono Trigger (1995) es considerada una de las mejores bandas sonoras chiptune. La adición de unidades de CD-ROM a las consolas de videojuegos a finales de la década de 1980 ofreció una mayor expresión musical y su tecnología fue utilizada con gran ventaja por la banda sonora original (OST) de Dark Wizard (1993), ampliamente considerada como la primera en emplear una orquesta sinfónica completa (en este caso, la Tokyo Sonic Orchestra). El impacto emocional de la música de los videojuegos se intensificó a mediados de la década de 1990 gracias a las consolas con tecnología de audio en CD. La banda sonora de Tomb Raider OST (1996) de Nathan McCree, una inquietante mezcla de música coral y orquestal, así como el icónico tema principal de Metal Gear Solid (1998) de Tappi Iwase sacaron provecho a los nuevos músculos musicales del medio. Harry Gregson-Williams, que ya era una estrella en ascenso en Hollywood, dio un paso adelante para coescribir la música de Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty (2001), mientras que Hans Zimmer canalizó su experiencia cinematográfica en el tema principal de Call of Duty: Modern Warfare 2 (2009). Joe Hisaishi, incondicional del Studio Ghibli, ha co-creado épicas partituras sinfónicas para videojuegos. Su banda sonora de Ni no Kuni: Wrath of the White Witch (2010) está a la altura de las mejores bandas sonoras orquestales de videojuegos, junto con la apasionante música de The Elder Scrolls V: Skyrim (2011) de Jeremy Soule y el melodioso lirismo de la partitura de Genshin Impact que Yu-Peng Chen compuso en 2020 durante su tiempo en el estudio de música HOYO-MiX. "Genshin Impact utilizó la orquestación clásica", dijo Chen a Apple Music Classical en 2025. "En realidad, esto tenía la intención de ayudar a que el juego se extendiera por todo el mundo. Los conceptos de diseño del juego fusionaron varios elementos de todo el mundo". Cuando se trata de mejorar el compromiso emocional, la oscura partitura de Jesper Kyd para Assassin's Creed II (2009), los monumentales sonidos sinfónicos de la partitura de Kingdoms of Amalur: Reckoning (2012) de Grant Kirkhope, la música de tonos oscuros de Sarah Schachner para Call of Duty: Modern Warfare (2019) y la banda sonora de Alan Wake II OST (2023) muestran lo lejos que ha llegado la música de los videojuegos desde el apogeo de Pac-Man.

Cada avance en la tecnología de los videojuegos ha provocado enormes progresos en la creatividad. La abrumadora experiencia cinematográfica de World of Warcraft: Wrath of the Lich King (2008), por ejemplo, fue igualada por la épica banda sonora de Neal Acree y Jason Hayes. Y hay mucha atmósfera en las famosísimas bandas sonoras de Marcin Przybyłowicz para la serie The Witcher y para Cyberpunk 2077. Pero hay muchas otras formas de dar vida a un juego. El uso de canciones sencillas, perfectamente ubicadas dentro del arco de un juego, puede resultar tan memorable como una banda sonora de gran éxito. "Far Away" de José González, por ejemplo, captura la soledad existencial de John Marston, el protagonista principal de Red Dead Redemption (2010), cuando entra en el árido paisaje de México. La banda sonora de inspiración folclórica de Jessica Curry para el juego de 2015 Everybody’s Gone to the Rapture, que se escucha mejor en la canción "The Mourning Tree", logra combinar la inquietante rareza y la familiaridad hogareña de un remoto pueblo inglés. El uso de canciones existentes, con licencia de sus titulares de derechos, se remonta a las versiones chiptune de temas de la banda de rock Journey utilizadas en Journey Escape (1982). La música con licencia ha proporcionado la convincente mezcla para las estaciones de radio en los coches desatadas por Grand Theft Auto III (2001), mientras que, en un nivel más suave, Untitled Goose Game (2019), una traviesa mezcla de puzles de sigilo y anarquía aviar, lanza su hechizo musical con fragmentos de los Préludes del compositor impresionista francés Claude Debussy, reelaborados por el compositor australiano Dan Golding. Y luego están los iconos del pop y el rock que han participado en colaboraciones de juegos de alto nivel. Michael Jackson’s Moonwalker (1990), que comprende versiones sintetizadas de los éxitos de Bad y Thriller, sentó el precedente para que otros grandes éxitos le siguieran. Ninguno fue más grande que David Bowie, que co-creó 10 canciones originales para The Nomad Soul (1999), o Paul McCartney, que escribió "Hope for the Future" para Destiny (2014).

La música de los videojuegos ha ofrecido canciones clásicas, melodías pegadizas y composiciones icónicas por montón. El hipnótico tema de Tetris (1984) presentó a millones, quizá miles de millones, la canción folclórica rusa del siglo XIX "Korobeiniki", convirtiéndose en un fenómeno cultural mundial. Los temas de Kondo para Super Mario Bros. y The Legend of Zelda (1986), este último escrito como sustituto de última hora del Boléro de Ravel, así como "Pigstep" de Lena Raine de Minecraft: Nether Update (2020) demuestran lo contagiosa que puede ser la música de los juegos. Y luego están las canciones extravagantes que han ganado una vida independiente: la agridulce "Still Alive", de los créditos finales de Portal (2007), estuvo disponible posteriormente como canción en varios de los juegos de Rock Band, mientras que la chispeante "Megalovania" de Toby Fox del exitoso indie Undertale (2015) disfrutó de una audiencia papal en 2022. "On the Beach" de Caroline Polachek, originalmente una pista demo rechazada para su álbum Pang de 2019, obtuvo la aprobación instantánea de la crítica y del público a través de su debut en el juego de 2025 Death Stranding 2: On the Beach. La balada "Weight of the World" de NieR:Automata de 2017 ahora forma el corazón de la serie mundial de conciertos orquestales en vivo de NieR. Mientras tanto, los diseñadores de sonido, jugadores clave en el desarrollo de juegos, han ayudado a presentar canciones existentes a vastas audiencias. Kate Bush se convirtió en una megaestrella de los videojuegos cuando su música se utilizó en Grand Theft Auto: Vice City. La canción "Wow" de la cantautora aumentó su popularidad tras su inclusión en la lista de reproducción de la estación de radio ficticia Emotion 98.3 del juego. Y la serie de fútbol FIFA ha elevado varias canciones al estatus de éxito, como la enérgica "Jerk It Out" de Caesars, que apareció en FIFA Football 2004, y "Heat Waves" de Glass Animals de FIFA 21 que se convirtió en la pista más reproducida de la franquicia de juegos de todos los tiempos. Los compositores clásicos también han adquirido nuevos fans gracias a las bandas sonoras de los juegos: Christopher Tin, por ejemplo, recibió reconocimiento internacional por su "Baba Yetu" —la primera pieza de música de videojuegos en ganar un Grammy— de Civilization IV (2005) antes de crear una serie de álbumes de estudio de alto perfil. Incluso las superestrellas mundiales Ariana Grande, Lady Gaga, Katy Perry, Lil Nas X y Travis Scott han encontrado nuevos seguidores gracias a la exposición a los juegos, e innumerables otros artistas solistas y bandas han ocupado un lugar central en múltiples iteraciones de videojuegos musicales Guitar Hero y Rock Band. Y desde su lanzamiento en 1999, la serie Tony Hawk's Pro Skater ha presentado a las nuevas generaciones bandas de punk totémicas como Dead Kennedys, Circle Jerks, Black Flag y Goldfinger. "Todo eso era lo que crecí escuchando, ese era el sonido del parque de patinaje", dijo Hawk a Young Money Radio de Apple Music 1 en abril de 2025. "Y así, cuando pude hacer un juego, pensé: 'Vamos a meter toda esta música ahí dentro'".

La música clásica entró en la historia de los videojuegos arcade con Sobre las Olas de Juventino Rosas (Over the Waves), la banda sonora chiptune de Carnival (1980). También se escabulló en la música de Kinuyo Yamashita, inspirada en J. S. Bach, para Castlevania (1986). Desde entonces, el género ha proporcionado material valioso: Una noche en el Monte Pelado de Mussorgsky intensificó la batalla de Riku contra Chernabog en Kingdom Hearts 3D: Dream Drop Distance (2012) y el Réquiem de Mozart despertó profundas emociones en BioShock Infinite (2013). La música de videojuegos se ha afianzado en las salas de conciertos gracias a solistas y conjuntos clásicos pioneros como la Orquesta Filarmónica de Londres, la Real Filarmónica, la Filarmónica de Shanghái y la Orquesta Sinfónica Nacional Danesa. “No tienes que ser un gamer para amar los videojuegos”, dijo el violinista Ray Chen a Alexis Ffrench en el programa de radio Classical Connections Radio de Apple Music en 2024. “Por supuesto, la gente piensa en los videojuegos de consola, pero ha llegado a un punto en el que los videojuegos también son un estilo de vida”. El álbum de Chen, Player 1, incluye un fascinante arreglo para violín y orquesta del tema principal de The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom y “Pallet Town” de Pokémon Red. Angèle Dubeau, colega violinista de Chen, y su banda de cuerdas La Pietà han llevado de gira canciones de su álbum Game Music, mientras que Lang Lang ha participado en la banda sonora de Gran Turismo 5 (2010) y ha conectado al público de la música clásica con transcripciones virtuosas para piano del “Lovers’ Oath” de Genshin Impact y “To Zanarkand” de Final Fantasy X. Y en 1986, con el lanzamiento del primero de los juegos de Dragon Quest, su compositor de la banda sonora, Sugiyama, produjo lo que resultarían ser suites totalmente orquestadas de su música, que gozarían de gran popularidad.

La calidad de sonido cinematográfica, con Dolby Atmos, DTS:X u otras tecnologías de audio inmersivo avanzadas, se ha convertido en la medida de referencia de las consolas de videojuegos domésticas. Los paisajes sonoros espaciales hiperreales y las bandas sonoras que cambian en respuesta al comportamiento y las emociones del jugador han reemplazado los "bips y bloops" de Pong (1972), el éxito adictivo de las primeras consolas domésticas. El sonido envolvente inmersivo forma un elemento esencial en Alan Wake II y Cyberpunk 2077, como lo hace en la banda sonora de Olivier Deriviere para el horror medieval A Plague Tale: Requiem (2022). Los diseñadores de sonido y los compositores han desarrollado procesos creativos sorprendentemente sofisticados, su trabajo respaldado por una fuerte inversión financiera y un creciente cuerpo de investigación académica. Entonces, ¿cuáles son las grandes tendencias nuevas y hacia dónde se dirigen? La música adaptativa, que altera la partitura en tiempo real, se originó a partir del chiptune de cuatro notas que se aceleraba a medida que los extraterrestres se acercaban en Space Invaders. Las orquestaciones y las capas de sonido que se transforman en sincronía con los eventos en pantalla, como las de Dead Space 2 (2011), Doom (2016) y No Man’s Sky: Journeys (2025), señalan la evolución aparentemente imparable del medio adaptativo. Los algoritmos se encuentran en el corazón del audio procedural, maestro en la generación de efectos de sonido en el momento exacto, y cada vez más gobiernan a su hermano, la música generativa. Este último puede crear universos musicales infinitos, interactuando y profundizando la experiencia emocional del jugador, comúnmente uniendo fragmentos musicales o "stems" que han sido diseñados para encajar perfectamente. La música de Raine para el juego de 2018 Celeste no solo influyó en parte del diseño del juego, sino que se mezcla con su jugabilidad: su banda sonora adopta instrumentos específicos para los personajes, emplea motivos musicales para denotar estados de juego y anima a los jugadores a completar los niveles. Ante la creciente complejidad de los videojuegos, los compositores han utilizado la IA para generar una variedad ilimitada de música de fondo y paisajes sonoros dinámicos e impredecibles. Al mismo tiempo, el poder emocional de la nostalgia se ha aprovechado para transportar a los jugadores maduros de vuelta a la era del chiptune, lo que logró brillantemente la banda sonora de Shovel Knight de Jake Kaufman en 2014 y la música de Fox para Undertale.