“Este álbum nació después de haber pasado diez años como músico profesional, esperando ese momento en el que, de hecho, sintiera que lo era”, dice James Vincent McMorrow a Apple Music sobre su quinto álbum, Grapefruit Season. “Todas las personas queremos llegar a la adultez o asumir las responsabilidades que nos han dado. Estaba esperando tener una idea brillante, pero no fue así”. Esa sensación de descubrir que tal vez nunca suceda está presente en buena parte de Grapefruit Season, como también su sentimiento de gratitud hacia quienes lo han acompañado en el camino. Sin embargo, estos parecen ser los únicos elementos en común de los 14 temas que componen este álbum. Grabado entre Los Ángeles, Nueva York, Londres y Dublín, y reelaborado durante el confinamiento, es una muestra del talento de este artista irlandés que es capaz de combinar las ya conocidas guitarras acústicas (“Waiting”), afrobeats (“Gone”), R&B sentimental (“Tru Love”), dramáticas baladas de piano (“Poison to You”), soul de bajos poderosos (“I Should Go”) y mucho más en un solo disco. Es, en sus propias palabras, deliberadamente “caótico”, en contraste con sus sobrios y uniformes trabajos anteriores. “Antes, escribía una colección de canciones y pensaba en cómo iban a encajar”, explica. “En este álbum, cada día y cada canción son una pequeña isla en sí misma, y ver cómo funcionan juntas. El hilo conductor soy yo”. Sigue leyendo para descubrir Grapefruit Season, de la mano de McMorrow, canción a canción. Paradise “Otra canción mucho más tranquila abría este disco antes de la pandemia. Pero me di cuenta de que estaba equivocado. ‘Paradise’ se sintió automáticamente como si marcara la pauta y a la vez trata la temática recurrente en el álbum: a menudo estás esperando esa señal del cielo y nunca llega. Mirando atrás siento que me perdí de muchos momentos mientras estaban sucediendo debido a eso. Esta canción trata sobre eso”. Gone “Este fue básicamente el punto de partida del álbum. Una vez que tuve ‘Gone’, supimos que estaba haciendo algo que tenía sentido y al mismo tiempo era diferente. La escribí en 20 minutos y no cambié ni una palabra de la letra después del primer día. Al principio, se supone que iba a ser para otra persona, pero cada vez encontraba más razones para quedarme con ella. Los primeros versos, ‘I give less fucks than I used to/Still give a lot of fucks’ (me importa menos que antes/pero sigue importándome mucho) se convirtieron en la piedra angular de prácticamente todo el disco”. Planes in the Sky “Solía pasar mucho tiempo intentando encontrar una forma inteligente de decir las cosas, pero tenía claro que no quería hacerlo en este álbum. Estábamos en Los Ángeles y alguien en el estudio comenzó a tocar la línea de bajo y me di cuenta de que, si no la arruinaba, iba a ser una canción muy especial. Es una de mis tres canciones favoritas de todas las que he escrito. Los músicos le daban vueltas y vueltas y yo simplemente la escuchaba como si estuviera hipnotizado”. Tru Love “Tenía dos canciones que traté de hacer encajar, una que comencé hace unos cuatro años y otra de 2019. No se me ocurrió que deberían ir juntas hasta abril o mayo de 2020. Era como un problema en busca de solución, así que se la di a Jay Mooncie (productor y guitarrista) y a Two Inch Punch, con quienes hice True Care en 2017. A pesar de que hablo de ceder el control, sigo siendo un controlador compulsivo. En cualquier caso, les di toda la música y me encantó lo que hicieron. ‘Tru Love’ es bastante cursi y sabía que si no conseguía la instrumentación y tono adecuados, no iba a funcionar”. Waiting “Escribí esta canción en 20 o 30 minutos con la guitarra. Habla de ser sincero y honesto. Sentarme en mi auto y llorar fue algo que sucedió en realidad, y de lo que no me avergüenzo en lo más mínimo. Quería escribir sobre la frustración de tener que esperar a lanzar el disco, después de haber pasado toda mi vida escuchando que mi autoestima y mi valor como humano vienen de esta persona que se sube al escenario todas las noches y canta para dos mil personas. No es sano, pero así son las cosas”. Poison to You “Creo que cuando empecé a escribir esta canción, hace cinco o seis años, no estaba en una posición en la que pudiera apropiarme de la letra. La gente se va a dar cuenta de lo que digo cuando la escuche. No es una canción muy positiva. Hubo un periodo de mi vida, alrededor de 2012 o 2013, cuando estaba en lo más alto de mi primera época de éxito, y salir de gira se convirtió en algo bastante tóxico. Odiaba esto, pero al mismo tiempo estaba obsesionado con la idea de subirme al escenario todas las noches. Muchas cosas en mi vida colapsaron. Quiero que la gente tenga una idea clara de mí en lugar de dejar pistas por ahí para que las interpreten. Hice como diez versiones de la canción y básicamente el resultado final fue como el demo”. We Don't Kiss Under Umbrellas Like We Used To “Hay una afinación de guitarra llamada Nashville, que se escucha, por ejemplo, en ‘Holocene’ de Bon Iver. Básicamente son un montón de guitarras afinadas normalmente, pero le quitas las cuerdas agudas a una guitarra de 12 cuerdas y se las pones a una de 6. A mí me suena como la lluvia al caer. Siempre intento encontrar una simetría o una conexión entre la letra y la música si existe esa posibilidad”. A House and a River “Cuando escribo una canción, termino haciendo 40 o 50 versiones diferentes. Necesito explorar todas las posibilidades. En 2020, cuando el álbum se retrasó, volví a revisar todo. Tuve la idea de hacer algo que se pareciera más a Marvin Gaye o incluso a Kanye West, con los loops de batería. Entonces, un día tenía un tambor metálico en el estudio y empecé a tocar el piano”. Hollywood & Vine “Cuando estoy en Los Ángeles y en Hollywood, hay momentos en los que siento que debería quedarme a vivir ahí para siempre, porque todo es al aire libre y es más saludable. Pero después llego al otro extremo. Estaba parado en una intersección, en Hollywood y Vine, mirando a mi alrededor, y pensando que tenía que irme cuanto antes. Fui directo al estudio y escribí esta canción. Quería que fuera sincera y honesta, y también reírme un poco de mí mismo”. Cliché “Esta es una grabación muy tosca, en relación con todo lo demás del álbum, porque la hice en una hora en el estudio. Toqué la batería, el piano, todo por encima. Eso fue todo. Intentaba explorar la noción de lo cliché en la letra. Si soy sincero creo que las cosas se convierten en clichés por alguna razón. A veces no hay otra forma de decir algo que diciéndolo por enésima vez”. Headlights “El proceso con esta canción fue muy complejo. Empecé con Justin Parker, un compositor que ha trabajado con artistas como Lana Del Rey y Rihanna. Es increíble, muy intenso y una gran persona. Él tenía el coro y yo escribí la letra en el hotel de un día para otro. Después la dejamos de lado, pero la canción tenía que seguir su camino y no dejar de moverse, aunque algunas personas dirán que la primera versión era bastante buena. Es una especie de Frankenstein. Lo intenté todo. Quería que a los 15 segundos sonara como una canción diferente de la que vas a escuchar más adelante”. I Should Go (con Kenny Beats) “Empecé esta canción por mi cuenta y luego la terminé con Kenny Beats. Recibí un mensaje de texto de él; pero nunca nos habíamos visto ni hablado antes. Estaba trabajando en ‘Paradise’ y no estaba teniendo un buen día. De repente veo un mensaje que dice ‘Hola, soy Kenny Beats. Paradise es una de las mejores canciones que he escuchado en toda mi vida’. Alguien de mi equipo se la había mostrado. Le puse el demo de esta canción en Los Ángeles y la cambió muy rápido. Sabía exactamente lo que quería. Estaba muy fuera de sintonía con el resto del disco, pero tenía ese deseo de tener algo donde se sintieran las guitarras y fuera arriesgado”. Grapefruit “Esta era la canción con la que pensaba abrir el disco. Si la escuchas, pasa de los elementos acústicos a los electrónicos en la segunda estrofa y el coro. Me parecía que esta era mi forma de llevar a la gente de la mano durante el proceso. Después, durante el confinamiento, me di cuenta de que aquí era donde la canción tenía que estar”. Part of Me “La escribí al principio de la pandemia y me parecía una especie de manipulación de mí mismo, en el sonido y también en lo que transmite. Pensé que era algo interesante. El título completo era ‘There's a Part of Me That Needs to Be Constantly FuckingUp’ (hay una parte de mí que necesita arruinar las cosas constantemente), que sonaba muy emo. Pero el caso es que soy una persona bastante emo. ¿Por qué no aceptarlo? Dicho esto, en lugar de limitarme a tomar una guitarra acústica y cantar la letra, se me ocurrió bajar el tono de mi voz. Después, cuando la canción se cierra sobre sí misma al llegar al final, hay coros donde canto hasta quedarme dormido. Me pareció una buena manera de terminar el álbum”.