Si No Geography es el álbum más audaz de The Chemical Brothers en 20 años es, en parte, porque Tom Rowlands y Ed Simons revisitaron sus creaciones de los años 90 a la hora de componerlo y grabarlo. A mediados de esa década, el dúo británico redefinió radicalmente las posibilidades del dance en su país. Para incorporar ese espíritu experimental a su noveno trabajo, la pareja desenterró los viejos samplers que utilizó para grabar sus dos primeros álbumes. “En una esquina de mi estudio monté ‘el rincón de 1997’”, explica Tom a Apple Music. “Era muy rudimentario, el tipo de cosa que me hubiera montado en mi habitación hace años. Esos samplers tienen un sonido particular y sus limitaciones te impulsan a ser más creativo en la forma de usarlos e ir metiendo cosas”. Otro guiño al pasado fue interpretar canciones inacabadas en sus conciertos, para que evolucionaran sobre el escenario, como ya hiciesen con los temas de Exit Planet Dust en 1995 y de Dig Your Own Hole en 1997. El resultado es optimista, agresivo y contemplativo a partes iguales, y los breakbeats, los samples y las distintas texturas de la música dance se mezclan con la particular sensibilidad de Ed y Tom para la melodía y la psicodelia. Tom nos habla aquí del disco canción a canción. “Eve of Destruction” “Vi en la tele a [la cantante y compositora de pop alternativo noruega] Aurora, tocando en Glastonbury, y me quedé alucinado con la fuerza de su voz y la emoción que destilaba. La experiencia en el estudio con ella fue súper inspiradora, tenía un montón de ideas y estaba abierta a las de los demás. Se le ocurrió la idea de Eve of Destruction como si fuese un personaje, una diosa de la destrucción. [La canción] empieza con una voz discordante pero, a medida que avanza, se convierte en una celebración. La respuesta a la naturaleza opresiva y ominosa de la letra es romper las cadenas, unirse a los demás, salir fuera y encontrar amigos y estar con gente como tú”. “Bango” “Pensé en mostrarle a Aurora fragmentos de música para empezar a trabajar y su respuesta fue brillante, muy inspiradora. [Para esta canción] le ponía algo y ella respondía con palabras e ideas sobre relaciones desequilibradas y sus dinámicas y los dioses lanzándote rayos y truenos. Esa es la mejor parte de colaborar con alguien, llegar a algo que ninguno de los dos podría haber hecho por separado”. “No Geography” “El sample de voz es de un poema de Michael Brownstein, un poeta neoyorquino de los 70. Tenían montado un programa llamado Dial-A-Poem Poets [Poetas Por Teléfono], tenías que llamar a un número y los poetas te leían sus versos. Es una manera de mostrar que la distancia física no impide que la gente esté conectada. Pero, en una escala global, también habla de la conexión entre las personas y de cómo todos compartimos algo. Supongo que es una forma de reconocer que dependemos los unos de los otros”. “Got to Keep On” “Se puede escuchar una batería luminosa y el sample de ‘Gotta keep on makin’ me high’ [de “Dance with Me” de Peter Brown] y, a mitad de la canción, llega este momento raro que grabamos de madrugada, en un momento de locura en el estudio, con feedback por todas partes y las máquinas chirriando. Es un poco exceso, en realidad. Pero es que solo es suficiente cuando es demasiado. La canción termina, de alguna manera, y suenan las campanas. Nos gusta incluir estas partes psicodélicas que desembocan en una sensación de felicidad. ¡Ya casi has conseguido salir! Es algo que nos sale de forma natural”. “Gravity Drops” “Este es el primer respiro que te da el disco. Los beats son intensos, pero la música fluye y también están esos d-d-d-drong en primer plano. Todo viene de montar el estudio para tocarla en directo. Ponemos montones de instrumentos y procesadores para tocar como si fuera una jam y ver adonde nos lleva. Intentamos crear secciones que nos dejen flipando y esta es una de esas”. “The Universe Sent Me” “Aurora fue clave para este tema con las imágenes que se inventó. Sónicamente hablando, la canción incluye un montón de ideas y mucho movimiento. Hay momentos en los que parece que la cosa está llegando demasiado lejos, por la forma en que va subiendo, pero luego te vuelve a llevar abajo. Es un viaje de altibajos psicodélicos, por llamarlo de alguna forma”. “We’ve Got to Try” “Esta me recuerda a los discos que solíamos poner en [el legendario club de Londres] The Social, cuando empezábamos. Poníamos bastante soul, además de discos de acid. Cuando la estábamos grabando, me recordó mucho a todo aquello, a la idea que siempre perseguíamos con nuestra música pero que nunca hicimos realidad del todo. Si hubiésemos encontrado esta canción entre los discos que teníamos habríamos dicho ‘¡Guau! Este es el sonido que queremos’”. “Free Yourself” “En esta sampleamos a otra poeta de Dial-A-Poem, Diane di Prima. Nos encantó escuchar su voz en un club. Fue emocionante crear un nuevo contexto para la canción, darle un nuevo significado. La tocamos mucho en directo en 2018 y eso influyó mucho el resultado final. Además, tiene ese ruido que suena como ‘guaaaaaaaaaaaaaah’. Nos gustan esos ruidos delirantes”. “MAH” “En otro momento de nuestra carrera hubiésemos pensado que este sample era demasiado conocido como para usarlo [el verso ‘I’m mad as hell and I ain’t going to take it no more’ [‘Estoy que echo humo y no voy a aguantar una más’, de ‘I’m Mad as Hell’ de El Coco]. Pero el subidón de tocarla en directo y la liberación que se siente con la música, después de la voz, creaban un momento increíble. Como artistas no somos muy explícitos con nuestros sentimientos, pero el disco lo grabamos en un momento en el que había constantes discusiones y debates a nivel nacional. Aunque hablemos a través de un simple, que trata otro sentimiento y es de una época distinta, cuando terminamos la canción pensé ‘sí, así es cómo me siento hoy’”. “Catch Me I’m Falling” “Una de las voces sampleadas es la de Stephanie Dosen, con la que trabajamos en Further y la música de Hanna. Está sacada de una canción de Snowbird, el proyecto que tiene con Simon Raymonde, que antes estaba en Cocteau Twins. La otra es de ‘A Letter From Vietnam’ [de Emanuel Laskey], una canción muy emotiva de 1968. Stephanie canta de forma diferente, en un espacio y tiempo distintos, pero la música que escribimos conecta ambas cosas y les da un nuevo significado. Aunque solo tiene sentido si el resultado final es algo que te apetezca escuchar, algo que te emocione”.