Solar Power, el tercer álbum de Lorde, nació de una revelación. “Crecí en la playa, en el océano, al aire libre”, dice la estrella del pop neozelandés a Apple Music. “Pero no entendí lo maravilloso que es el mundo natural y la cantidad de regalos que esconde para alguien como yo hasta que tuve un perro. Lo único que tenía que hacer era prestar atención para descubrir montones de cosas que no sólo me levantaban el ánimo, sino que me inspiraban de verdad”. La muerte de aquel perro, Pearl, retrasó la producción del disco, pero las lecciones sobre cómo conectarse con el mundo exterior que Lorde aprendió con él recorren sus pistas de principio a fin. Encajar lo que quería expresar en el pop tenso y anguloso de Pure Heroine (2013) o el emocionante Melodrama (2017) no iba a funcionar. Con el productor Jack Antonoff a su lado, Lorde decidió entonces abrazar la improbable paleta sonora que forman el Laurel Canyon de los 70 y el pop de los primeros años del milenio (de All Saints a Natalie Imbruglia). “Sobre el papel no tiene pies ni cabeza”, dice. “Pero estaba pensando en qué podía capturar la experiencia de estar al aire libre, de sentir el sol y una felicidad muy particular”. En cierto sentido, Solar Power es exactamente lo que promete, un álbum para escuchar en la paz del verano. Pero, como dice Lorde, hay partes “profundas y superficiales” en el disco. Las reflexiones sobre la cultura de la fama (“California”) y la industria del bienestar (“Mood Ring”) conviven con la tristeza de contemplar la destrucción del entorno natural. No es, sin embargo, un álbum sobre el cambio climático. “Nunca tuve como objetivo llamar la atención de la gente sobre el problema”, explica. “Si no te importa, no hay nada que yo pueda hacer”. Si trata de algo, dice, es “del paso del tiempo y cómo aceptarlo. Todo mi trabajo gira alrededor de eso. Son discos en los que intento hacerme una serie de preguntas. Si después la gente se hace sus propias preguntas sobre su mundo, logré lo que quería”. Aquí, Ella Yelich-O’Connor nos lleva por Solar Power canción a canción. The Path “Fue la primera canción que escribí para el álbum y siempre supe que lo iba a abrir. Quería poner a la gente al día inmediatamente. Aquí estoy ahora y esta es la onda. A medida que me hago mayor, me doy más cuenta de la naturaleza absurda de la vida moderna y algunas de las imágenes de la canción tienen mucho que ver con eso. También he estado pensando más en las personas que están en mi posición y la adoración que recibe alguien como yo. La idea era desmantelar todo eso y decir ‘vamos a hacerlo a un lado esta vez y a hablar de otras cosas’. Me parecía divertido y un poco descarado decir ‘Lo siento, pero no. Esto no trata de mí. Cambio de dirección’”. Solar Power “Es ligera como una pluma. La canción habla de ser feliz bajo el sol, que es una cosa un poco loca viniendo de mí. Pero también tiene algo extraño y oscuro en todas las imágenes de cultos y comunas. Sabía que la gente se iba a preguntar de qué diablos estoy hablando. Tiene una superficie ligera, pero hay mucho más por debajo”. California “California y Los Ángeles son lugares por los que siento un cariño especial. Me parecen fascinantes, místicos y ensoñadores, pero también me ponen los pelos de punta. No es donde debería estar ahora, así que los he dejado de lado. He estado escuchando mucho a The Mamas & The Papas y aquí son la referencia melódica. La canción tiene algo inquietante, una parte de Los Ángeles que mucha gente ha intentado capturar en el cine y en la música. Me encanta el verso sobre la juventud que hace fila para ver ‘lo nuevo de Supreme’. Eso de decir algo moderno que al mismo tiempo puede sonar clásico es una cosa muy mía”. Stoned at the Nail Salon “Es una de las primeras que escribimos. La imagino como una continuación de Melodrama. Mi vida es muy discreta y doméstica, soy como un ama de casa hippie. Un momento que se me quedó grabado fue cuando estaban celebrando los Grammy o los VMA y no pude verlos en la computadora. Me sentí totalmente fuera de esa parte de mi vida. Empecé a pensar si había tomado la decisión correcta al colgar el teléfono, por decirlo de alguna manera, y quedarme en casa con mi perro y haciendo la comida todos los días. Grabamos las voces el mismo día que escribimos la canción. Por eso tiene ese aire casual y orgánico que terminó convirtiéndose en parte esencial de Solar Power”. Fallen Fruit “Estaba volando a Los Ángeles para componer con Jack y empecé a escribirla en el avión. Las canciones que escribo en aviones siempre tienen un punto inestable y crudo, supongo que por la altitud o algo. Hasta entonces había tenido mucho cuidado de no ponerme en plan predicadora, tipo ‘¡Hola, soy una estrella del pop y este es mi álbum sobre el cambio climático!’. Pero llegó un momento en el que pensé que estamos ante la mayor pérdida de nuestras vidas, algo que define nuestro presente y un mundo que mis hijos no van a reconocer. Disfruté mucho intentando que sonara como un lamento hippie, con una onda muy de Laurel Canyon. Aunque al mismo tiempo la única 808 que suena en todo el disco está en el break de esta canción. La letra describe una huida a un lugar seguro en un futuro en el que nuestro mundo ha dejado de ser habitable. Me atraía darle un aire moderno a la historia”. Secrets From a Girl (Who's Seen It All) “Aquí intento enseñarle a mi yo del pasado algunas de las cosas que he aprendido. Es una perspectiva divertida desde la que escribir. A mí me suena como una mezcla de Eurythmics y Robyn. Y después conseguimos que Robyn hiciera la parte hablada, que es increíble. He aprendido muchísimas cosas de sus canciones. Su colaboración redondea la experiencia”. The Man With the Axe “Escribí el tema casi como si fuera un poema. Tenía una resaca tremenda y creo que esa fragilidad, esa vulnerabilidad, se refleja en la canción. Es extraño, porque es bastante melancólica, pero también me parece muy acogedora. Expreso un amor y un cariño increíbles por alguien. Me suena muy privada, tanto que ni siquiera me gusta pensar en que la va a escuchar otra gente. Es sólo para mí. Malay (productor estadounidense) encontró unos acordes geniales. No cambié nada del poema, salvo quizás un verso que eliminé. Fue uno de los mayores logros de todo el álbum”. Dominoes “Solar Power es un disco sobre utopías y el bienestar es una de ellas. También era una faceta clave de esa nueva era de los 60 y los 70, la Era de Acuario, esa búsqueda de algo que nos dé respuestas y nos haga sentir realizados. Creo que todo el mundo conoce a alguien más o menos así. Me reí mucho al cantar ‘It’s strange to see you smoking marijuana, you used to do the most cocaine of anyone I’ve ever met’ (se me hace raro verte fumar marihuana, solías consumir más coca que cualquier otra persona que conozca). Todos hemos conocido a ese tipo”. Big Star “El título es un guiño a Big Star, una banda que adoro. ‘Thirteen’ (del primer álbum de Big Star) tiene un aire infantil que se parece a lo que evoca esta canción. Pero también me gustaba la idea de que las personas que queremos sean como famosos para nosotros. Pienso que cuando ves una foto de alguien a quien quieres, liberas las mismas sustancias químicas que cuando ves a una persona famosa. En mi corazón son personas famosas. Aunque en realidad es una canción sobre mi perro, que escribí cuando era un cachorro. Pensaba ‘Vaya, nunca he querido tanto en mi vida’”. Leader of a New Regime “Quería darme un poco de espacio y hacer algo más en la onda de Crosby, Stills & Nash, como preguntándome ‘¿Hacia dónde vamos ahora?’ desde un punto de vista cultural, político, medioambiental, social y espiritual. Sentía el deseo de hacer algo nuevo”. Mood Ring “Es muy satírica. Me meto en la piel de una persona que se siente totalmente perdida y desconectada del mundo moderno e intenta sentirse bien de cualquier manera posible. Me pareció que mucha gente iba a sentirse identificada. Escribirla fue divertido y complejo al mismo tiempo. Las melodías y la producción son una buena mezcla del sonido de principios de los 2000 y esa energía de la Era de Acuario. Las dos cosas tenían que estar muy presentes en la canción”. Oceanic Feeling “Sabía que iba a ser la última canción. Quería que sonara como cuando me levanto por la mañana en casa, salgo y pienso en lo que voy a hacer durante el día. ¿Voy a ir a la playa? ¿De pesca? ¿Qué va a pasar? Quería hacer algo que hiciera pensar a la gente de Nueva Zelanda: ‘Esta soy yo. Este es el lugar del que vengo’. Pero también estaba reflexionando sobre otras cosas. Mi hermano pequeño había tenido un accidente de tráfico con una conmoción cerebral y se sentía muy perdido y confundido. Quería decirle que todo iba a salir bien. Pensé mucho en mis padres y en la conexión profunda que tenemos con nuestra tierra. Pensaba también en mis hijos. Me encanta que termine con el verso ‘I’ll know when it’s time to take off my robes and step into the choir’ (sabré cuando haya llegado el momento de quitarme la sotana y unirme al coro). Conecta de alguna manera con ese sentimiento inicial de ‘If you're looking for a saviour, that’s not me’ (si buscas una salvadora, no soy yo) y la idea de que, ¿quién sabe?, a lo mejor un día ya no estaré haciendo esto. Mi música es muy singular y yo estoy en el centro. La idea de que algún día yo tampoco estaré aquí me pareció una imagen muy poderosa para terminar”.