El cantautor estrena su nuevo álbum con un corto. Cuando Leon Bridges empezó a pensar en su tercer álbum, decidió que esta vez iba a ser diferente. “Sentíamos que la única forma de dar con un sonido único era crear una experiencia inmersiva y encontrar un lugar que nos inspirara estéticamente”, cuenta a Apple Music. Finalmente, dio con Gold-Diggers, un bar, hotel y estudio de grabación de East Hollywood que permitió al cantante tejano explorar el sonido que tenía en la cabeza sin la interferencia de expectativas ajenas. “Fue totalmente liberador para mí”, dice del proceso creativo. “Pude dedicarme a ser yo mismo, deshacerme de cualquier inhibición y crear sin límites de ningún tipo”. Las canciones que surgieron de aquellas sesiones, producidas por Ricky Reed y Nate Mercereau, se convirtieron en Gold-Diggers Sound y están entre las más refinadas de la carrera de Bridges. Sus comienzos estuvieron marcados por la influencia del soul clásico de los 60, pero el nuevo álbum enmarca esa nostalgia en un contexto más moderno y tiende puentes entre el R&B de los 80 y los 90 y una instrumentación con raíces en el jazz. Sus canciones y su voz siguen en primer plano, pero aquí suenan rodeadas de una atmósfera renovadora. “Muchas de las canciones de Gold-Diggers Sound salieron de jams improvisadas”, explica. “Significó volver al sonido básico de una banda en el estudio creando música desde cero”. Aquí nos lleva por cada una de ellas. “Born Again” “‘Born Again’ es una canción que surgió de la pandemia. Casi todo lo que hay en Gold-Diggers Sound salió de Gold-Diggers, pero esta es una de las que llegaron después. Ricky Reed estaba haciendo unos streams en los que producía canciones en directo. Me mandó un instrumental para que escribiese algo y se lo enviara al día siguiente. Estaba superagobiado porque no se me ocurría nada sobre lo que escribir, pero cuando me desperté a la mañana siguiente me vino todo a la cabeza. Quería establecer un paralelismo entre el concepto de renovación espiritual en los Evangelios y la Biblia y cómo me sentía durante la pandemia, que fue un momento muy balsámico para mí. Me pareció una canción perfecta para abrir el álbum y establecer el tono desde el principio”. “Motorbike” “‘Motorbike’ era un tema instrumental en el que estaba trabajando mi amigo Nate Mercereau. Conectó conmigo desde el principio y el resto de la gente que había en la sesión se quedó con la idea en la cabeza. Cuando fui a Puerto Rico para celebrar que cumplía 30 años pude pasar tiempo con algunos de mis mejores amigos y fue un momento de mucho amor y camaradería. Quería capturar esa sensación de vivir el presente y de escapar a donde fuera con la gente que quieres. De eso va ‘Motorbike’”. “Steam” “Esta tiene un rollo que me recuerda un poco a Talking Heads. Es una de las primeras canciones en las que trabajamos para el álbum. Tiene esa vibra de cuando estás en una fiesta que se termina antes de lo que esperabas y quieres seguir de marcha. Lo mejor en esos casos es ir al hotel para el after”. “Why Don’t You Touch Me” “Mis respetos al pedazo de compositora que es Kaydence. Esta es una canción en la que colaboramos a distancia durante la pandemia. Me parecía un ángulo interesante desde el que escribir sobre una relación en la que se termina el amor desde una perspectiva masculina. Eso y la sensación devastadora de estar físicamente cerca de alguien pero muy distante en lo emocional. Es algo de lo que no se habla mucho desde el punto de vista del hombre. De ahí vino la inspiración”. “Magnolias” “Me encasillaron en cuanto salió mi primer álbum, y cuanto más tiempo llevo creando más honesto quiero ser con la música que me inspira. Me encanta el contraste de esa guitarra acústica preciosa con un rollo más de trap y R&B moderno. Mi madre siempre me animaba a hacer una canción sobre la magnolia que tenía en el jardín, así que escribí la letra alrededor de esa idea. En mi cabeza, la melodía del estribillo sonaba a algo que podría haber cantado Sade. Puede que no tenga ningún sentido, pero en aquel momento lo vi muy claro”. “Gold-Diggers (Junior’s Fanfare)” “Mil gracias a Ricky Reed por elegir a unos músicos de viento totalmente increíbles, nada menos que Josh Johnson y Keyon Harrold. Desde el principio del álbum, buscaba un sonido progresivo pero al mismo tiempo anclado en elementos orgánicos. Por eso me parecía importante que hubiera jazz entrelazado a lo largo del álbum. Es un interludio alucinante y algo que no se escucha mucho en el terreno del R&B”. “Details” “‘Details’ habla de aprender a dar las gracias por las pequeñas cosas. Son los pequeños detalles los que dan forma al todo”. “Sho Nuff” “En ‘Sho Nuff,’ quería reflejar una parte de la cultura de Houston. Lo que me gusta de artistas como UGK es que incorporaran la música soul en sus canciones. La parte de guitarra viene claramente de esa historia. Quería una guitarra muy minimalista, pero con alma, que contrastara con la atmósfera sexual del tema”. “Sweeter” “A lo largo de mi carrera siempre me han mirado con lupa por no hacer canciones políticas y es algo en lo que he pensado muchas veces. No quería hacerlo de cualquier manera. Este tema salió cuando Terrace Martin empezó una sesión con unos acordes alucinantes. Para mí, los acordes o por donde vaya la música es lo que dicta de qué habla la canción. En cuanto empezó a tocar, supe que este era el momento de ‘Sweeter’. La escribimos antes de lo que ocurrió con George Floyd, pero es una reflexión sobre la historia interminable de los negros que mueren a manos de la policía. La teníamos guardada desde hacía tiempo y estaba pensando en sacar un tema con mi amigo Lucky Daye, así que se quedó en el cajón. Pero después de lo de George Floyd sentí la obligación de lanzarla al mundo con el deseo de que sea un canto de luz y esperanza”. “Don’t Worry” “‘Don't Worry’ es una especie de monólogo interior en el que recuerdo a una antigua amante y la persona con quien está ahora. Tengo que dar las gracias a mi amiga Ink, que es una cantautora de Atlanta y representa ese punto entre el country y el barrio. Tiene una energía supercontagiosa. Va al estudio todos los días con botas y sombrero de cowboy, y le da una energía increíble a la música. Así salió esta canción”. “Blue Mesas” “Este es un álbum que abarca aspectos de la vida con muchas facetas. No siempre es serio, pero hay momentos que capturan la lucha diaria, y eso es lo que esta canción significa para mí. ‘Blue Mesas’ habla del momento en que me hice famoso y, sinceramente, fue una época difícil de mi vida. Si coges a una persona insegura y la pones bajo los focos, puede que crezca o puede que se hunda. Yo tuve la suerte de estar rodeado de gente maravillosa que me ayudó a superar esos problemas. La canción habla de la soledad y la carga sobre tus hombros que sientes cuando alcanzas algo de notoriedad. Aunque tengas gente que te quiere a tu lado, te sientes aislado”.