“Cuando estás dirigiendo a Beethoven, existe todo tipo de bagaje debido a las prácticas de interpretación históricamente informadas que están en el aire”, comenta Antonio Pappano a Apple Music Classical. “Aunque no estoy totalmente inmerso en eso, soy consciente de ciertos aspectos. Sin embargo, lo más importante es mantener la transparencia e intensidad de la energía”. Podría parecer la interpretación de una orquesta sinfónica moderna completa, pero rebosa de la vibrante energía de un conjunto de época. Los acordes de apertura golpean como martillazos, seguidos de una solemnidad que, sin embargo, anticipa de manera aguda la exaltación que está por venir. Pappano logra esto mediante un uso limitado de vibrato y empleando lo que se conoce como “cuerdas al aire”, una técnica en la cual violines, violas y chelos tocan sus cuerdas sin usar el diapasón. El resultado es una claridad del sonido que permite una tensión rítmica. Los ritmos ágiles de Beethoven crujen y chasquean con una energía cinética palpable. “Es una música tan atrevida y provocativa que resulta amenazadora de cierta manera”, explica Pappano. El segundo movimiento, “Allegretto”, que Pappano describe como un “lamento medieval” llega con un contraste impactante. “Cuando se inicia con un fortissimo, casi se percibe una atmósfera gótica y la tonalidad es tan implacablemente sombría hasta que el clarinete irrumpe en tonalidad mayor, proporcionando la calma necesaria después de tanta austeridad”. El scherzo “Presto” que sigue nos da otra sacudida de ánimo. “Está inesperadamente lleno de brío. Hay un homenaje a la música folclórica de Austria y Alemania en su trío, pero se vuelve tan grandioso. Es como si Beethoven tomara estas formas musicales familiares y las llevara al límite. Como un niño que descubre un juguete”. Para el final “Allegro con brio”, Pappano lleva a la Orquesta Sinfónica de Londres a sus límites absolutos. Este es un movimiento en el que Beethoven muestra su gran fuerza de voluntad. “Es necesario enfrentarlo”, comenta Pappano, “y ver si puedes estar a la altura. Estoy especialmente contento de que nos sobrara algo en el último movimiento para terminarlo de verdad. Aunque parecía que habíamos alcanzado los límites de la capacidad humana unas cuatro páginas antes del final, logramos superarlos, y considero que sólo una gran orquesta puede hacer esto”. Si Pappano pudo crear algo único en esta interpretación, sin duda hay un elemento de misterio en la manera en que obtuvo esos gloriosos resultados. “Un miembro de la LSO se me acercó y me comentó que le pareció realmente interesante que, a pesar de haber interpretado esta pieza innumerables veces y tener su propio enfoque, yo simplemente la ignoré y la abordé a mi manera. Y creo que eso es algo positivo. Aunque sinceramente, no sé cuál es mi estilo específico”. Como complemento a la Sinfonía n.º 7 de Beethoven, la Orquesta Sinfónica de Londres encargó una nueva obra a la compositora británica Hannah Kendall. La pieza, titulada O Flower of Fire, explora la convergencia de las diversas culturas negras en los campos de plantaciones de caña de azúcar del Caribe y está inspirada en una línea del poema “Voices” del escritor caribeño-guyanés Martin Carter. En su intento de retratar la esclavitud de manera caleidoscópica e inquietante, Kendall usa accesorios para el cabello, armónicas y cajas de música. Pappano realiza una brillante interpretación de los momentos de calma de la partitura en contraste con los sonidos vívidamente guturales. “En la quietud, es muy hermoso”, afirma Pappano, “y si Hannah pidió a los violonchelos que gritaran, entonces era necesario que lo hicieran. Hay algo primario en ese sonido”. La pieza llega a su fin cuando cae la noche y el sol se sumerge bajo el horizonte, mientras las armónicas zumbadoras y las cuerdas gimientes resuenan. Es un final impactante que cierra con fuerza esta poderosa declaración musical.